Dama Egipica pintura de Carl Nys

Dama Egipcia - Carl Nys

Cuadro Dama Egipcia de Carl Nys

Características pintura de Carl Nys – Dama Egipcia

Pintor:

Carl Nys

Fecha/lugar creación:

S. XX

Título pintura:

“Dama Egipcia”

Material:

Óleo sobre lienzo.

Medidas:

N/S

Otros datos:

 

Sobre el pintor Carl Nys

Tenemos que hablar respecto a esta pintura del orientalismo, una corriente artística dada en el siglo XIX que se interesa por el Próximo y Medio Oriente, donde se representan determinados aspectos de las culturas orientales en Occidente por parte de escritores, diseñadores y artistas, que terminaron por convertirse en tópicos estereotipados. 

La campaña napoleónica en Egipto y Siria, la guerra de la independencia de Grecia, la guerra de Crimea y la apertura del canal de Suez contribuyeron a aumentar el interés por un exotismo profusamente documentado. 

En el romanticismo hubo una seducción por el oriente que cumplía con el mismo alejamiento de la realidad que el historicismo medievalista.  Washington Irving en Granada generó el tópico del exotismo español. Hay que citar las traducciones del Kama Sutra y Las Mil y una noches también para entender este movimiento.

Se pueden encontrar representaciones de “moros” y “turcos” en otras etapas artísticas desde el medievo, pero en el siglo XIX es cuando el orientalismo se torna en un tema. Destacan las representaciones de todo tipo de escenas inspiradas en escenarios de los países árabes del norte de África y Oriente Medio. Tanto en los paisajes como en los interiores se acentuaban los aspectos exóticos y sensuales, con fantásticos colores de ropajes y carnaciones seductoras, destacando escenas de baño y harenes que permitían representaciones de odaliscas en posturas comprometidas. Se valoraba el color, la textura y el exotismo. La sensualidad se veía aceptable en el exótico oriente. Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones universales de París de 1855 y 1867.

Pintores orientalistas destacados fueron: Jean Auguste Dominique Ingres, Eugéne Delacroix, Théodore Chasséireau, Eugéne Fromentin, Jean-Léon GérômeLéon BellyWillen de FamarsTestas, Gustave Guillaumet o Alexandre Roubtzoff. En España el principal ejemplo fue Mariano Fortuny que viajó a Marruecos donde quedó impresionado del pintoresquismo que veía. 

Las obras orientalistas se concretan en las culturas islámicas, hebrea y otras de origen semita, ya que eran las que visitaban los viajeros. La sensualidad puede verse en las odaliscas en un harem, recostadas de manera prototípica. Los europeos no tenían realmente tanto contacto con este mundo. 

La presencia europea en Egipto atrajo un número importante de viajeros occidentales al Oriente, de los que muchos capturaron sus impresiones a través de la pintura y el grabado. El gobierno francés publicó una edición de 24 volúmenes llamada Descripción de Egipto, en la que se ilustró fotografía, vida silvestre, flora y fauna, arquitectura monumental del antiguo Egipto, y población.

En esta pintura de Carl Nys vemos a una dama egipcia recostada en un gran salón con una vestimenta pintoresca, donde llama la atención los senos descubiertos, mientras juega con dos gatos blancos hay un tercero que nos mira. Al lado está la cesta vacía donde reposan estos animales domésticos, que tenían gran importancia en el Antiguo Egipto. La dama inclina la cabeza, y también deja ver uno de sus pies pese a la sandalia que lleva. Destacan las calidades de las telas, contexturas bien diferenciadas, aspecto que hemos dicho que buscaban estos pintores orientalistas. 

Al fondo se ve una columna, pinturas egipcias, una escultura de un personaje frontal y dos esculturas también de gatos, una abierta, lo que podría ser un ataúd, donde se muestra que está siendo pintada, posiblemente por esta dama. 

Esta pintura nos lleva a un mundo imaginario que buscaban estos pintores, muy estereotipado, colorido y sensual, en el que predomina una calma y sensualidad que nos invita a sentarnos junto la dama.

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“Atardecer en la aldea” de Francisco Llorens Díaz

francisco llorens atardecer en la aldea

Cuadro de Francisco Llorens Díaz: “Atardecer en la Aldea”

En esta pieza se puede observar un paisaje de carácter rural realizado con una estética de carácter postimpresionista debido a la pincelada suelta y la importancia de la luz que refleja fielmente el momento del día. El autor propone una visa frontal en el cual sitúa un espacio vacío en primer plano, para dispones en lejanía media animales y la figura de una mujer. Esta se encuentra sola sentada junto al pórtico de la iglesia.

Características cuadro de Francisco Llorens Díaz

Pintor:

Francisco Llorens Díaz

Fecha/lugar creación:

1906

Título pintura:

“Atardecer en la aldea”

Material:

Óleo sobre lienzo

Medidas:

100 x 150 cm sin marco | 105 x 155 cm con marco

Otros datos:

Pintor español discípulo de Carlos de Haes
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Sobre el pintor Francisco Llorens

Formado en Madrid, Francisco Llorens fue galardonado con mención honorífica en la Exposición Nacional de 1895, y en 1903 obtuvo una pensión para ampliar sus estudios en Roma. Visita también los Países Bajos, y sigue concurriendo a las Exposiciones Nacionales, siendo galardonado con tercera medalla en 1907. Posteriormente obtendrá también segunda medalla (1908) y primera (1922), títulos que se añaden a otros conseguidos en la Internacional de Barcelona (1907), la Internacional de Buenos Aires (1910) y la Universal de Panamá (1916). Fue también Gran Cruz de la Corona de Bélgica y socio de honor en el Salón de Otoño, así como miembro de número de la Real Academia de San Fernando desde 1943. Tras la interrupción de su actividad a causa de la guerra civil, concluida la contienda es designado socio de honor de la Real Academia Gallega, y alcanza la cátedra de paisaje en la Escuela de San Fernando. Actualmente está representado en el Museo del Prado, la Colección Nova Caixa Galicia, el Museo de Arte Moderno de Madrid, todos los de Galicia y en numerosos de provincias, de España.

Detalles cuadro “Atardecer en la Aldea

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Laura de San Telmo o “Bailaora” de Anselmo Miguel Nieto

Laura de San Telmo o “Bailaora”

Pintura de Anselmo Miguel Nieto: “Laura de San Telmo” Laura Santelmo despuntó dentro de su género por su belleza y repertorio, sobre todo con las castañuelas. Era una de las mejores discípulas que tuvo el maestro José Otero Aranda, que educó a toda esa serie de artistas entre boleros y flamencos, – Amalia Molina, Pastora Imperio, Antonio Ruiz y Rosario (Florencia Pérez) -. Características del Cuadro de Anselmo Miguel Nieto Pintor: Anselmo Miguell Nieto Fecha/lugar creación: 1934, España Título pintura: Laura de San Telmo “La Bailaora” Material: Óleo sobre lienzo Medidas: 120 x 110 cm. Otros datos: Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho “A. Miguel Nieto/ 1934” ¿Estás…

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Paseo por el parque” de Fernando Villodas cuadro pintura s.XX

Pintura siglo XX: Paseo por el parque” de Fernando Villodas

fernando villodas cuadro pintura siglo xx paseo

  • “Paseo por el parque”. 1905
  • Óleo sobre lienzo
  • Medidas: 93 x 124,5 cm.
  • Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo: ” Fernando de Villodas/ 1905″
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Acerca del cuadro “Paseo por el parque” de Fernando Villodas

Fernando Villodas es uno de los pintores característicos de la pintura del cambio de siglo español, aún anclado en los gustos propios del XIX pinta escenas costumbristas en los que refleja la sociedad del momento, como este “Paseo por el parque” que aquí presentamos en el que se muestran las costumbres de la alta sociedad madrileña finisecular; una niña enteramente vestida de blanco, como era costumbre entre las clases altas, pasea de la mano de su aya por un parque probablemente el del Retiro.

Al fondo otros personajes de similares características pero desdibujados por la distancia, efecto óptico que nos indica que el pintor no es ajeno a los movimientos vanguardistas que en estos años triunfan en París.

La pincelada suelta y los tonos suaves nos tienen una clara influencia de los pintores del impresionismo francés, este saber asimilar las nuevas tendencias y amoldarlas al gusto español hizo que el pintor gozara de éxito en su época lo que le valió el encargo de pintar dos grandes murales al fresco en el palacio episcopal de Astorga con los temas de la vida de la Virgen quizás la obra cumbre de su carrera. No obstante es en estas escenas cotidianas captadas con rapidez, casi como si de fotografías se tratara, donde el pintor muestra su mayor sensibilidad.

 

Acerca del pintor Fernando Villodas

Este pintor español del siglo XIX y XX nació en 1846 en Madrid. Fue estudiante de la Escuela de Bellas Artes en San Fernando de Henares y fue compañero de Federico de Madrazo. Con tan solo 18 años fue premiado con la tarcera medalla en la Exposición Regional de Zaragoza.

Algunos de sus cuadros más famosos que recibieron premios son: “La muerte de César”, “Mensaje de Carlos I al cardenal Cisneros” y “Victuribus gloria. Naumaquia en tiempos de Augusto” por el que recibió la medalla de primera clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes.

 

Detalles del cuadro siglo XX “Paseo por el Parque”

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Bienaventurados Jose María Sert pintura siglo XX

Cuadro completo "Bienaventurados " Jose María Sart

Luneto “Bienaventurados” de Jose María Sert pintor siglo XX

Luneto cuadro Jose María Sert

  • (Barcelona, 1874 – 1945)
  • VII Bienaventuranza – Pintado en 1925-27
  • “Bienaventurados los pacíficos por que ellos serán llamados hijos de Dios”
  • Óleo sobre lienzo en forma de luneto
  • Medidas: 120 x 242 (marco: 132 x 254)
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Acerca del cuadro siglo XX Luneto Javier María Sert “Bienaventurados”

Esta obra en forma de luneto es el modelo de presentación para una de las pinturas murales de la Catedral de Vic pertenecientes a la nave de la Epístola.
El vano central del boceto corresponde a la hornacina arquitectónica del muro.
La pintura original de la catedral fue destruida durante la Guerra Civil, por lo tanto, este boceto es un importante documento gráfico conservado del pintor y que posteriormente fue utilizado para la reconstrucción del mural.
José María Sert fue uno de los pintores más cotizados y controvertidos de su tiempo y uno de los mejores muralistas españoles. Heredero de la Renaixença catalana y de formación modernista, desarrolla un estilo pictórico al margen de las corrientes estilísticas de su época
Estas características le constituyen como renovador de la pintura mural y un prolífico artista que llegó a pintar más de siete mil metros cuadrados de catedrales, palacios, grandes salones, residencias privadas y ayuntamientos de diversas ciudades, pero sin duda la obra que más presente estuvo a lo largo de su vida fue la decoración de la Catedral de Vic.

Aunque esta obra fue encargada en 1900, Sert no presentó los primeros bocetos hasta seis años más tarde, ocupado por los numerosos pedidos que recibía de los aristócratas de la época. La Primera Guerra Mundial interrumpió los trabajos y una vez reanudados, Sert sintió que tenía que modificar el planteamiento, suprimiendo el color y, por tanto, repensando las perspectivas para obtener profundidad. Se finalizó en 1929, pero tan solo siete años más tarde fue destruida. Conmocionado, Sert acepta la restauración de la catedral basándola esta vez en un juego de bajorrelieves que no concluirá hasta el año de su muerte.

Aceraca del pintor español siglo XX José María Sert

 

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AGUSTÍN REDONDELA

Las Lecheras - Agustín Redondela

AGUSTÍN REDONDELA

(Madrid, 1922 – 2015)

“Lecheras”

Óleo sobre táblex

Firmado “Redondela” en ángulo inferior derecho

Medidas: 38 x 28 cm. Con marco: 50 x 43 cm.

Hijo del pintor de escenografías José González Redondela, su primer contacto con el mundo del arte es de la mano de su padre, como decorador de escenas teatrales, ocupación que no abandonó jamás realizando escenografías de numerosas obras teatrales entre las que destaca la del Viaje a la Alcarria de Camilo José Cela. Más tarde asiste a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid donde entra en contacto con los artistas que se hacían llamar “Escuela de Madrid”, si bien el estilo del pintor difiere del de los maestros de la escuela Benjamin Palencia y Daniel Vázquez Díaz. Su estilo evoluciona enseguida hacia una esquematización y un gusto por buscar las formas geométricas que conforman todas las figuras y formas de sus escenas. Sus viajes por la geografía española propician su gusto por los paisajes y por las gentes del campo y las aldeas: los campesinos, los animales, los paisajes castellanos, los pueblos…son sus temas más representados siempre con su característico estilo tendente a la simplicidad y las formas puras junto a la reducción de la gama de colores que casi se limitan a los tonos tierras con algún toque de azul o malva.

Realiza su primera exposición individual en la Galería Estilo de Madrid en el año 1945; obtiene el Premio Nacional de Pintura en el año 1953; con más de treinta exposiciones individuales y otras cincuenta colectivas alcanza el cénit de su carrera cuando en el 96 es galardonado por la Real Academia de San Fernando y dos años después se realizará una exposición antológica de su obra en el Centro Cultural la Villa de Madrid. Gozó siempre de una buena valoración tanto del público como de la crítica con sus paisajes y gentes tranquilos, casi monócromos de pincelada casi acuartelada que transmitían el sosiego y la tranquilidad de la sencillez; el poeta José Hierro dijo de él “…no pinta el paisaje que ama, sino su amor por el paisaje”.

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AMALIA AVIA PEÑA

Cuadro Amalia Avia Peña

AMALIA AVIA PEÑA

( Santa Cruz de la Zarza, Toledo, 1930 – Madrid, 2011)

“General Mola nº9”

Óleo sobre tabla

Firmado en ángulo inferior derecho

Al dorso titulado. Con etiquetas

Medidas: 73 x 130 cm.

La pintora, una de las máximas representantes de la figura realista española de la segunda mitad del siglo XX, comenzó su carrera como pintora en los años 50 en el estudio de Eduardo Peña en Madrid. En la Real Academia de San Fernando conoce a los que serán sus posteriores compañeros de generación, Antonio López, Carmen Laffon o Lucio Muñoz entre otros. Realiza su primera exposición individual en la Galería Fernando Fe de Madrid, en el 64 entra en la legendaria galería de Juana Mordó y años más tarde en la Biosca. Realiza numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas sobre el realismo, realizándose una antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid en 1997, año en el que se le concede la Medalla al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid. En el año 2004 publica sus memorias “De puertas adentro”. Su pintura realista y nostálgica se centra en rincones y calles de la ciudad de Madrid; retrata sus calles, sus comercios, sus puertas, sus fachadas…en las que se palpa el paso del tiempo y siempre un aura de nostalgia, de pérdida de lo que fue pero ya no es. La primera época de su pintura tiene un componente más social, introduce la figura humana que va desapareciendo poco a poco en su obra. La propia artista confirma que no se trata de una pintura hiperrealista, no es la perfección técnica ni la plasmación minuciosa de la realidad lo que le preocupa, sino que su anhelo es ser capaz de plasmar la huella del ser humano las arquitectural; el paso del tiempo y del hombre en un rincón determinado. Muchos han escrito sobre su obra, Camilo José Cela dijo que Amalia Avia es la pintora de las ausencias, la amarga cronista del “por aquí pasó la vida marcando su amargura e inevitable huella de dolor”. Así en este “General Mola nº 9” encontramos la fachada de una casa típica del arquitectura madrileña, pero lo que destaca es la casi ausencia de vida: solo reflejada por el portero que sujeta la puerta semiabierta; el resto es todo ausencia, las ventanas cerradas, nadie en la calle, y una arquitectura desgastada por el tiempo y el uso de ese ser humano que no aparece pero sabemos que ha estado por la la ruina que deja en la piedra.

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Caja de música “pájaro cantor” autómata

Caja de música “pájaro cantor” autómata

Caja de música “pájaro cantor” autómata. Alemania, Karl Griesbaum, principios del siglo XX.
Metal.
Con marcas de fabricante.
Con llave.
Medidas: 10 x 6,7 x 3,9 cm.
Caja de música de forma rectangular con llave (y hueco para la cuerda en la base), que tiene una pequeña tapa ovalada en la parte superior. Al elevarse, aparece una zona circular calada (con elementos vegetales simplificados y sencillos roleos) en la que destaca un pequeño pájaro de vivos colores. El ave, un autómata, cuenta con movimiento de pico, alas y desplazamiento giratorio, al compás de la música de la caja de metal plateado. El exterior se encuentra decorado con una serie de escenas cotidianas en ligero relieve, que recuerdan tanto por su composición como por la vestimenta de las figuras y el paisaje a obras de la pintura barroca del norte de Europa del siglo XVII.
Esta tipología de caja de música rectangular con un ave de pequeño tamaño y vivos colores que se mueve fue una de las más apreciadas y comunes, llegando a realizarse en una gran variedad de tamaños y materiales, y estando relacionada con la fabricación de pequeñas jaulas con aves autómatas en su interior. La marca de contraste de la caja remite a los trabajos del alemán Karl Griesbaum (1872-1941), muy conocido y apreciado tanto por este tipo de cajas de música como por las jaulas mencionadas, y que logró convertirse en una de las firmas más prolíficas de su tiempo.

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MARTIN CHIRINO LÓPEZ,

MARTIN CHIRINO LÓPEZ,

Sin título, 1970.
Acuarela, tinta y ceras sobre papel.
Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho.
Bibliografía: ABC Cultural, “20 años, 1000 números”; Ed nº 1000, 4-VI-2011, págs. 70-71.
Medidas: 66,5 x 47,5 cm; 86 x 66 cm (marco).
El escultor Martín Chirino desarrolló su formación en la Escuela de San Fernando de Madrid y en la School of Fine Arts de Londres. Después de una primera serie escultórica “Reinas Negras”, y de muestras como la colectiva del Museo Canario, Chirino se instala en Madrid en 1955, acompañado por sus amigos Manolo Millares, Elvireta Escobio, Manuel Padrono y Alejandro Reino. Pasa además un mes en Londres, donde conoce de primera mano las esculturas sumerias y egipcias del British Museum. Tan sólo un año más tarde, en 1956, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid adquiere dos obras suyas. Celebra entonces su primera exposición individual, en el Ateneo de Madrid, a raíz de la cual pasará a formar parte del recién fundado grupo El Paso. Su reconocimiento irá creciendo, y tan sólo dos años más tarde se le dedica una sala especial en el pabellón español de la Bienal de São Paulo. En 1960 participa en una colectiva celebrada en el MOMA de Nueva York, donde presenta cuatro piezas, una de las cuales está protagonizada ya por la espiral, el tema más recurrente de su obra desde estos años. La galerista Grace Borgenicht, impresionada por estas cuatro piezas, realiza un viaje a Madrid para contratar a Chirino en exclusiva para los Estados Unidos, contrato que permaneció vigente hasta la muerte de Borgenicht en 1994. Desde su participación en la colectiva del MOMA, y tras disolverse El Paso en 1960, Chirino desarrolló su carrera en solitario y mostró su obra en todo el mundo, una producción abstracta caracterizada por la carencia de elementos narrativos y por la riqueza formal y simbólica. Actualmente está representado en museos de todo el mundo, entre ellos el Guggenheim de Nueva York, el MACBA de Barcelona, la Fundación Juan March, la Smithsonian Institution de Washington, el Museo de Bellas Artes de Caracas, etc.

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ELIAS SALAVERRÍA INCHAURRANDIETA “Bodegón de flores”

ELIAS SALAVERRÍA INCHAURRANDIETA

ELIAS SALAVERRÍA INCHAURRANDIETA
(Lezo, Guipúzcoa, 1883 – Madrid, 1952)
“Bodegón de flores”
Óleo sobre lienzo
Medidas: 68,5 x 78,5 cm.
Firmado ángulo inferior izquierdo “E. Salaverrria”
Este alegre y colorido florero que aquí presentamos está firmado por Elias Salaverría, pintor vasco de finales del siglo XIX que desarrolla su labor pictórica en la primera mitad del siglo XX cultivando la pintura de historia, costumbrista, el retrato y la pintura decorativa entre la que destacan los bodegones.

Comenzó su formación en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián para continuarlos en la Academia de Bellas Artes de Madrid gracias a una pensión concedida por los marqueses de Cubas, siendo allí discípulo de Luis Menéndez Pidal. En París le impresionó labora de Millet, quien influirá en su obra posterior sobre todo en el tratamiento del color. Participó en numerosos concursos y certámenes tanto nacionales como internacionales en las que obtuvo medalla en las Exposiciones Nacionales de 1906, 1908 y 1912, ésta última de oro por la obra “La procesión del Corpus“, un óleo de gran formato que se conserva en el Museo de Bellas Artes de Álava.

Internacionalmente fue premiado en la Exposición Universal de Buenos Aires de 1910, en la de Munich de 1913 y en la de Panamá de 1916. El pintor falleció mientras se encontraba restaurando la capilla de la Concepción de San Francisco el Grande de Madrid, al caer de un andamio.
La mayor parte de su producción se centra en temas vascos, con el estilo típico de esta región: realismo casi fotográfico, trazo firme y algo duro, contornos marcados y colores fuertes muy contrastados. Así estos dos floreros que descansan sobre una mesa de madera rebosan de flores de los más contrastados colores: rojo bermellón, amarillo, verdes intensos…suavizados por el blanco de las rosas. Las sombras muy marcadas como es típico en la pintura vasca y el encuadre casi fotográfico aprendido seguramente en sus años de París.

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